Rosana Antolí's practice centres on the social choreographies and gestures that weave through everyday life as well as future ecologies of plural agencies. By approaching performance as porous sites of interactive research, Antoli creates work that invites audiences into an open dialogue around bodies, hydro feminism and identity.
MANIFESTO:
- El gesto como una representación de la inscripción cultural en el cuerpo. Explorar nuestro comportamiento y nuestros gestos diarios a través de coreografías y performances. Desde lo cotidiano a lo extraordinario, de lo político hacia el absurdo como una resistencia contra nuestro paradigma.
-Dentro de la obra de arte, realiza tus gestos cotidianos, aíslalos conscientemente, repítelos y desplázalos de su contexto original a otro completamente diferente para alterar su contenido social y político. Utiliza repeticiones. Utiliza repeticiones. Utiliza repeticiones. Utiliza exceso. Vacía el significado. Remarca el contenido afectivo. Acepta ese sentimiento de absurdidad hacia nuestro comportamiento.
-El gesto es un espacio de resistencia.
-La diferencia entre un performance o ir a comprar comida se encuentra en la función, la circunstancia del evento dentro de la sociedad y el comportamiento que se espera de los participantes y espectadores. Todos performamos más de lo que somos conscientes. Nuestras vidas están estructuradas de acuerdo a repetitivas y sancionadas formas de comportamiento. La posibilidad de que toda la actividad humana sea considerada ‘performativa’.
-Empodera los propios movimientos.
-Identifícate con lo performativo. Performance es transformación. Hay que buscar el conseguir una obra en movimiento. Hay que buscar una exposición transformativa.
-Repite de la forma más precisa una acción. Repite de la forma más precisa posible una acción. Llegar a lo exhausto durante la repetición. Encuentra el fracaso en la repetición. Saber que no hay ninguna cosa como la repetición.
-Considera como herramientas fundamentales el espacio, tiempo y cuerpo. Mezcla disciplinas. Aborda el espacio expositivo como si fuera una partitura musical. Busca el ritmo y el sonido. Mira el espacio de cada elemento. Mira la parte donde la intensidad de las fuentes y caracteres, de los elementos expuestos, se acentúe. Reinventa el espacio expositivo, piensa en coreografía, como si fueras Mallarmé escribiendo ‘Un coup de dés jamais n’abolira le hasard’. Prioriza los silencios y las pausas.
-Re- piensa y cuestiona las estructuras sociales. El contexto del arte. El paradigma establecido. No hagas pseudo-revueltas. Piensa si podemos cambiar las reglas. Si podemos alterar nuestros patrones de comportamiento. Acoge la percepción y el conocimiento de ‘cómo se mueven las cosas’. Busca una práctica ecológica, donde se entiende esta como una herramienta para pensar sobre qué está pasando, en coherencia con tu paradigma, a través de la experimentación y la práctica colectiva. Crea interrelaciones. Experimenta y crea procesos materiales. Como Joseph Beuys sugirió. La escultura social es una necesidad. Remarca el proceso como parte integral del trabajo.
-No teatralices. Busca la experiencia más inmersiva.
-Cuestiona el espacio privado y público. Coreografía los elementos allí. Explora el sentimiento plástico y la experiencia del observador. Utiliza sonido. Voz. Cuerpos. Esculturas como cuerpos. El artista visual debe llegar a ser un coreógrafo social.
-Busca transitoriedad. Busca transitoriedad. Busca transitoriedad.
- El gesto como una representación de la inscripción cultural en el cuerpo. Explorar nuestro comportamiento y nuestros gestos diarios a través de coreografías y performances. Desde lo cotidiano a lo extraordinario, de lo político hacia el absurdo como una resistencia contra nuestro paradigma.
-Dentro de la obra de arte, realiza tus gestos cotidianos, aíslalos conscientemente, repítelos y desplázalos de su contexto original a otro completamente diferente para alterar su contenido social y político. Utiliza repeticiones. Utiliza repeticiones. Utiliza repeticiones. Utiliza exceso. Vacía el significado. Remarca el contenido afectivo. Acepta ese sentimiento de absurdidad hacia nuestro comportamiento.
-El gesto es un espacio de resistencia.
-La diferencia entre un performance o ir a comprar comida se encuentra en la función, la circunstancia del evento dentro de la sociedad y el comportamiento que se espera de los participantes y espectadores. Todos performamos más de lo que somos conscientes. Nuestras vidas están estructuradas de acuerdo a repetitivas y sancionadas formas de comportamiento. La posibilidad de que toda la actividad humana sea considerada ‘performativa’.
-Empodera los propios movimientos.
-Identifícate con lo performativo. Performance es transformación. Hay que buscar el conseguir una obra en movimiento. Hay que buscar una exposición transformativa.
-Repite de la forma más precisa una acción. Repite de la forma más precisa posible una acción. Llegar a lo exhausto durante la repetición. Encuentra el fracaso en la repetición. Saber que no hay ninguna cosa como la repetición.
-Considera como herramientas fundamentales el espacio, tiempo y cuerpo. Mezcla disciplinas. Aborda el espacio expositivo como si fuera una partitura musical. Busca el ritmo y el sonido. Mira el espacio de cada elemento. Mira la parte donde la intensidad de las fuentes y caracteres, de los elementos expuestos, se acentúe. Reinventa el espacio expositivo, piensa en coreografía, como si fueras Mallarmé escribiendo ‘Un coup de dés jamais n’abolira le hasard’. Prioriza los silencios y las pausas.
-Re- piensa y cuestiona las estructuras sociales. El contexto del arte. El paradigma establecido. No hagas pseudo-revueltas. Piensa si podemos cambiar las reglas. Si podemos alterar nuestros patrones de comportamiento. Acoge la percepción y el conocimiento de ‘cómo se mueven las cosas’. Busca una práctica ecológica, donde se entiende esta como una herramienta para pensar sobre qué está pasando, en coherencia con tu paradigma, a través de la experimentación y la práctica colectiva. Crea interrelaciones. Experimenta y crea procesos materiales. Como Joseph Beuys sugirió. La escultura social es una necesidad. Remarca el proceso como parte integral del trabajo.
-No teatralices. Busca la experiencia más inmersiva.
-Cuestiona el espacio privado y público. Coreografía los elementos allí. Explora el sentimiento plástico y la experiencia del observador. Utiliza sonido. Voz. Cuerpos. Esculturas como cuerpos. El artista visual debe llegar a ser un coreógrafo social.
-Busca transitoriedad. Busca transitoriedad. Busca transitoriedad.